Los Vengadores: La era de Ultrón

Joss Whedon se quería despedir a lo grande de la saga y lo ha conseguido, pero no nos ha convencido, ya que podría haber aportado mucho más. Quizás la reducción del metraje final haya sido la culpable, y es que la han acortado más de una hora, lo que ha hecho que la historia sea algo pobre y que las escenas de lucha acaparen todo el protagonismo seguidas de escenas con poco contexto, fuera de lugar, necesitábamos más información.

Sin embargo, los personajes se han asentado, a pesar de estar todos bien definidos desde hace tiempo, pero parece que cada uno se ha puesto en su lugar. Sin embargo, el protagonismo es coral, todos los superhéroes han adquirido la misma importancia, algo que era en parte necesario, pero que no le ha beneficiado. No olvidemos lo importante que es Ojo de Halcón y como había sido infravalorado hasta el momento, nos ha gustado ese acercamiento, y ha dado un respiro a la acción.
Las nuevas incorporaciones son frescas, por supuesto hemos de decir que Visión es alucinante, Paul Bettany está estupendo y le auguramos el mejor de los futuros. Si que hemos echado de menos a Pepper Pots, pero sobretodo a Loki, quién si estaba en el metraje original... ¿qué demonios ha pasado?.

Y como siempre unos efectos especiales excelentes, al más puro estilo Whedon y un gran guión que ha estado falto de humor. Pero era de esperar, una entrega madura donde nuestros protagonistas han sufrido lo insufrible; la era de Ultrón es dura y seria, es muy Steven Rogers.
El mundillo Marvel en la gran pantalla se está volviendo demasiado complejo para los que no son fans del género, ¿hasta cuando estará el cine heroico en la cresta de la ola?. Por nosotras, si es tan bueno como hasta ahora... ¡Larga vida!

Está claro que esta entrega es un puente, deja el terreno asentado para próximas entregas acercándonos a Civil War, y de que manera... nos aventuramos a decir que va a ser mejor que sus predecesoras ¡toquemos madera!.

Una gran película con fallos, quizás problema de las expectativas, pero entretenida e interesante de igual modo. Por todo ello le damos 4'5 puntos de cruz.

Xavier Dolan, el "enfant terrible" del cine canadiense

Pocos conocen a día de hoy quién es Xavier Dolan, pero los pocos que han tenido el placer de ver alguna de sus películas no han podido olvidar su nombre. Notorio en su hacer tanto como director, actor o guionista, ha despertado la curiosidad de la crítica con determinación, recogiendo elogios, aplausos y por supuesto, indiferencia.

Destaca, a simple vistazo de filmografía,  su continuidad a la hora de crear nuevos films, y es que desde su debut en 2009 ha rodado cinco películas. Pero quizás el dato más llamativo no sea el de su actividad tras la cámara, sino el de su grandes dotes a una edad tan temprana. Con diecinueve años dirige, escribe, produce e interpreta su primera cinta semiautobiográfica, Yo maté a mi madre (2009). A partir de ese momento la mirada de la prensa internacional se dejó caer cuando el film de Dolan ganó tres premios en la Quinzaine des Réalisateurs del festival de Cannes y más aún cuando tras ser emitida recibió ovación durante varios minutos a pie.

Una gran carta de presentación que impulsó su despegue cinematográfico con títulos que seguían explorando la homosexualidad, las amistad, las relaciones en constante colisión y sobre todo el amor. Como el mismo expresa: "todas mis películas hablan del mismo tema: el amor no correspondido". Pero sí por algún motivo existe el rechazo e irritación de parte del público al cine de este jovenzuelo puede derivar de su presuntuosa pretenciosidad dado el número de veces que recurre a alterar los tiempos (con cámara lenta y acelerada), al estilismo muy cuidado, canciones pop, influencias del videoclip y las diversas texturas y formatos. Estás acusaciones nunca han sido de su agrado y no es raro que se defienda de manera directa justificando su estilo visual como marca de distinción alejada de lo superficial, pensada e ideada para dar forma a sus historias: "Vale, sí, me gustan los vestidos bonitos, ¿y qué? Lo que pasa es que muchos directores no tienen ni idea sobre moda y lo dejan en manos de otros. A mí no se me pasaría por la cabeza rodar una escena sin decidir personalmente lo que viste cada personaje. No por eso soy un cineasta superficial. Mi película está llena de emoción".

Al ver sus películas podemos sentir conexiones con otros realizadores, pero al director quebequés no le gusta ser comprado y afirma no tener un estilo propio. Para una entrevista a Vulture explicaba que estar continuamente comparándole con otros directores era una "forma estúpido de ver cine". "Me niego a ser comparado con nadie, sean genios o novatos, sólo porque mi película está llena de color y ruedo historias de mujeres”, continuó añadiendo ante las relaciones con el cine de Almodóvar. Quizás demasiado radical al defenderse y quizás porque a la hora de crear intenta no caer en las redes de otras películas de temáticas similares.

En sus cinco películas vemos que continúa con líneas similares pero con diferentes variantes. En su obra debut el personaje materno tenía gran importancia y en su última creación vuelve a rescatar el vínculo, pero esta vez sin malas intenciones hacia ella. “Si hay un tema del que debería saber más que nadie, uno que me inspirara de forma incondicional, y que me gusta más que ningún otro, desde luego es mi madre. Cuando digo mi madre, me refiero a la figura que representa. Porque es ella a la que siempre regreso. Es ella la que quiero ver ganar todas las batallas, para la que quiero inventar problemas para ver cómo los resuelve, es ella a través de quien me hago todas las preguntas, a quien quiero oír gritar cuando nadie dice nada, es ella quien quiero que tenga razón cuando todos nos equivocamos, es ella la que tendrá la última palabra, no importa de qué”.

Ahora vamos a hacer un pequeño repaso por sus proyectos.

¿Cuántos de nosotros no hemos querido acabar con nuestra madre alguna vez? Puede que demasiadas veces, puede que sólo una, pero ese sentimiento siempre encuentra algún momento para  manifestarse. En el film se retrata a un adolescente y la batalla a sangre fría entre madre e hijo.
Caracterizada por un estilo fresco y suelto, le sirvió para sentar las bases de lo que iba a ser un próspero camino.

Sinopsis: El joven Hubert Minel, con sólo 16 años, desprecia a su madre. Sólo se fija en sus defectos, sus jerseys pasados de moda, su decoración kitsch y el ruido que hace al comer. Por encima de esto está la manipulación y culpabilidad a la que le tiene sometido su progenitora. Confuso, Hubert vive su adolescencia, a la vez marginal y típica, descubriendo el arte, experiencias poco recomendables, nuevas amistades y sexo.

Aquí abandona el drama familiar para ahondar en la amistad y meter el dedo en la llaga de los celos derivados de un triángulo amoroso donde se sufre hasta el extremo. La amistad se pone a prueba ante la llegada de un chico que trae consigo el despertar egoísta. Todo un desmadre con mayor sentimiento poético como fruto amoroso, pero que no llega a funcionar tan bien como debería.

Sinopsis: Marie y Francis dos grandes amigos se enamoran de Nick, un chico recién llegado del campo. No tardará en surgir un vínculo sentimental entre los tres, que dará lugar a una difícil relación.

Tercer capítulo de sus amores complicados y de encuentros fortuitos. La metamorfosis hacia el encuentro personal y sexual se compagina con el mejor Dolan, aunque en una extensión demasiado prolongada. 

Sinopsis: Laurence, un profesor de literatura que en su 30 aniversario declara su intención de convertirse en mujer entre el estupor de sus amigos e incluso de su novia, quien finalmente aceptará permanecer a su lado durante todo el proceso de cambio. El próximo curso Laurence enseñará por primera vez literatura en la piel de una mujer dando la bienvenida a una nueva y peligrosa vida en la que el peso del estigma social, el rechazo familiar y la incompatibilidad de la pareja acabará por dinamitar su vida.

Dolan pegó el año pasado un cambio rompedor a sus trabajos anteriores adaptando una obra teatral teñida de misterio. Un thriller psicológico con personajes de afiladas miradas y rubios platinos. Se aleja de sus dramas cosmopolitas y se introduce en la granja como protagonista y extraño.

Sinopsis: Tom, un joven publicitario moderno, asiste al funeral de su amante, que ha muerto en un accidente de tráfico. En una granja aislada se encuentra por primera vez con la madre de su amado. Ella no lo conoce ni sabe qué clase de relación mantuvo con su hijo. Tom descubrirá entonces que su amante había estado enamorado de una mujer llamada Sarah.

Su película más reciente y perfecta, construida con equilibrio en todo el desarrollo. Nos trae la lucha de una madre con la habitual agresividad del drama combinada con una mayor calidez y tacto. Vuelven sus actrices fetiche, Anne Dorval y Suzanne Clément, inmersas en actuaciones que dejan huella en los espectadores. Muchos señalan que es una joya y que es una de las imprescindibles de este año.

Sinopsis: En una Canadá ficticia, se aprueba un ley que permite que los padres angustiados abandonen a sus hijos enfermos en el hospital. Sin embargo, Diane "Die" Despres, una valerosa viuda, decide educar ella misma a su hijo Steve, que padece ADHD. Kyla, una misteriosa vecina, les ofrece su ayuda. La relación con esta generosa mujer se hace cada vez más estrecha y surgen preguntas sobre el misterio de su vida.

No todo son maravillas y peca de errores fácilmente perdonables. Un genio con las ideas claras y que al igual que otras grandes figuras prematuras (Orson Welles, Louis Malle, R.W. Fassbinder, Stanley Donen), la edad no le ha supuesto ninguna barrera. Gustará más o menos, pero es innegable que este muchacho tiene talento y tiempo para hacer que te enamores de su profunda forma de ver la vida más cotidiana y los temas más delicados que pocos se atreven a mostrar. 

Coca cola en el cine

¿Quién no ha bebido nunca Coca-Cola? Desde luego que en el cine todo el mundo, desde 1933 podemos ver que la marea roja inunda nuestras pantallas.

Su primera aparición fue en King Kong. La veíamos en una pantalla publicitaria de Times Square, en un segundo plano. Algo lógico, en parte, pues allí toda la publicidad es poca. Pero las burbujas no acabaron aquí, tan solo fue el comienzo de una revolución gaseosa.
En 1946 apareció más que unos pocos segundos en Qué bello es vivir, formando parte fundamental de la droguería del Sr. Grower. Ese mismo año, también hizo aparición en A vida o muerte, por lo que podemos comprobar que su fama subió como la espuma.

En 1961, Uno, dos, tres, supuso un cambio en la historia del cine, ya que este refresco se introdujo como parte del argumento, algo nunca visto. En 1967 tuvo otro uso, representando la masculinidad de Clyde en Bonnie and Clyde.
Tiburón, 1975, primer blockbuster donde se incluyó esta marca y en Taxi Driver fue símbolo de la conducta psicótica de Travis.

En 1982, dos grandes ejemplos: en E.T. llegó a aparecer hasta 4 veces, batiendo el récord, y en Blade Runner se llevó un gran y futurista plano. 

A partir de aquí, la Coca-Cola ya es todo un símbolo y numerosas películas se suman a esta moda: Independence Day, Elf, Million Dollar Baby, Scott Pilgrim contra el mundo…



Ha sabido venderse con elegancia, incluso podemos decir que le da renombre al film. Además, los anuncios de Coca-Cola en la televisión se han convertido casi en un género, debido a su ingenio y belleza. No juzgamos lo que realmente hagan, pues todo no puede ser tan bueno, sino su parte visual, ya que sus anunciantes si que son realmente buenos.

Artículo para el magazine digital MurciaLOVE.

De viaje con François Ozon

Para algunos las vacaciones acabaron o los pocos afortunados aún las estamos disfrutando, y andamos arañando cada día del calendario para que no acaben. De cualquier manera, aún nos queda una semana de agosto para disfrutar del calor, los ventiladores, los sorbetes de limón y la buena compañía del cine.

Para los que disponemos de un presupuesto ajustado os proponemos un viaje por el sensual, arriesgado y elegante cine del francés François Ozon. Una escapada a la Francia de este director resulta gratificante en todos los sentidos. Las localizaciones de su filmografía son cotidianas pero perfectas para el desarrollo de sus personajes (calles, residencias familiares, edificios, piscinas, institutos, casas de campo, ... ). Él convierte los lugares más comunes en un espacio atractivo, los envuelve en una atmósfera idílica para desarrollar la imaginación y reposar la mente, siendo perfectos retales para perderse y evadirse durante metrajes de no más de 120 minutos. Lugares donde siempre que comienzan  los créditos finales querremos volver.

Si ha conseguido hacerse hueco en el competitivo mundo del cine actual ha sido por la gran habilidad que tiene para diseminar cada tema y convertirla en grandes películas con personajes notables. Ha recurrido mucho a temas como la homosexualidad y el factor erótico, pero siempre añadiendo novedad y aplicando inteligencia y pequeños gestos que expresan con exactitud sus ideas e inquietudes sociales. Los desnudos que nos muestra están hechos con tanto mimo y delicadeza que pese al dramatismo que llevan impresos no resultan molestos o un mero objeto morboso, sino que se manifiestan con la naturalidad característica del cine europeo. Con la misma naturalidad se muestran sus personajes femeninos,de gran fuerza y que reclaman sus derechos en cada golpe de presencia tanto en sus personajes más ariscos como en los más pastelosos. Ellas son otro de sus símbolos representativos y protagonizan gran parte de sus creaciones. 

Las historias que componen su filmografía son muy variadas para la suerte del espectador. Pese a que todas comparten el drama como elemento común, siempre encuentra un nuevo método de expresarlo. En unas se acentúa con mayor definición, y en ellas afloran los mayores éxitos y aplausos de su trayectoria, pudiendo destacar Mi refugio (2009) y El tiempo que queda (2005), incluso su última victoria ante crítica y público: Joven y bonita (2013), estrenada el pasado año y que narra la historia de una adolescente que se introduce en el mundo de la prostitución. 

Los toques cómicos suelen aparecer muy disimulados en el transcurso de sus metrajes pero si en algún film hace verdadera presencia es en Sitcom (1998), su primer largo donde cautivo al público francés. En 8 Mujeres (2002) se ayudó del musical para crear una comedia con una puesta en escena que tiene las raíces clavadas en el teatro y en una manada de mujeres sospechosas de haber matado al señor de la casa y que no dudarán en acudir a las acusaciones gratuitas como medio de defensa. Otra de sus comedias recientes es la gran Potiche, mujeres al poder (2010), película ambientada en los años 70 y que recuerda a situaciones turbias actuales de inestabilidad donde los obreros reclaman sus derechos y donde la mujer es un mero pelele. Se ayuda de una estética y recursos sonoros variopintos entrañables que todos reconocemos y que relacionamos rápidamente con aquellos años. La protagonista es toda una maruja hecha y derecha, encasillada en el rol de mujer florero pero no por mucho tiempo, para desgracia de su marido. No se debe subestimar a una maruja y menos si es la gran Catherine Deneuve.

Los oscuros sentimientos y pensamientos ácidos dieron lugar al suspense y la intriga y se hicieron un hueco en su trayectoria. Cobraron imagen y presencia en dos películas de gran sutiliza: Swimming pool (2003) y En la casa (2012). En ambas la literatura es uno más de los protagonistas que encauzará el desarrollo de los actos guiados también por los impulsos y el afán creador. Ambas escritas con una gran inteligencia que da lugar a situaciones magnéticas.

Ya veis que no os mentimos cuando os decimos que visitar Francia con él no es ningún desperdicio ni una pérdida de tiempo, más bien un encuentro enriquecedor con grandes personajes, épocas y mensajes universales para pensar y abrirnos los ojos de la mejor forma posible y mientras escuchamos las grandes canciones que viven en sus historias.

Pepe Mediavilla

Foto Cedida por Acho Visual.

El día 30 de Mayo tuvimos el placer de conocer al gran Pepe Mediavilla. Un maestro en todos los sentidos, y referente que todos deberíamos tener.

Quizás su nombre no os suene, pero si os citamos a Morgan Freeman o a Gandalf (Ian McKellen), ya os va sonando más, pero es que detrás de esos grandes actores hay una gran voz que estamos muy acostumbrados a escuchar. Esta voz es la de Don Pepe, un actor con 50 años de experiencia que nos ha brindado grandes y carismáticas actuaciones.

Pero no solo ha doblado a Morgan Freeman y a Gandalf, sino que más de 2700 películas dan para mucho, como Rasputín (Anastasia, 1997), Dr. Gang (Inspector Gadget, 1983-86),  Spock (Star Trek: La serie original, 1966-69) y como él dice con cariño, a "mis negros", ya que todos los personajes de color se los mandaban a él.

Comenzó trabajando desde una edad muy temprana, con 12 años, y siempre ha tenido muy claro que lo que le gustaba era la actuación y el espectáculo, pues antes de dedicarse al doblaje, estuvo en la radio y el teatro.

Empezó con pequeños papeles, hasta hacerse director de doblaje, incluso de la serie Star Trek. Serie que no solo tuvo que dirigir, sino que tuvo que encargarse del papel de Spock, ya que nadie quería la responsabilidad de quedarse con el papel y permanecer en la serie. Esto le supuso un gran esfuerzo, ya que cuando todo el mundo había terminado su jornada, él tenía que quedarse doblando sus frases, además tenían que grabar un capítulo cada día.

Fue en 1974 cuando comenzó con Morgan Freeman, quién no era muy conocido por aquel entonces y hacía películas cada mucho tiempo. Pero en 1992 ambos comenzaron a alzar el vuelo en Sin perdón (Clint Eastwood, 1992), ya que Morgan Freeman comenzó a actuar en 3 ó 4 películas por año.

En 1977 quedó finalista con Constantino Romero, su gran amigo, para doblar a Darth Vader. Gracias a un pequeño detalle como es taparse la boca y hablar pegado al micro ya sabemos quien ganó el papel, pero Pepe no se quedó fuera de la franquicia, ya que interpretó a TODOS "los que llevan el orinal en la cabeza", y parece que tardaron algo de tiempo en darse cuenta de que Pepe no podía estar hablando con Pepe, cuando un Stormtrooper hablaba con otro Stormtrooper, pero a la vista está que les gustó porque en las nuevas ediciones no han cambiado el doblaje.
Esta no es más que una de las muchas anécdotas de las que pudimos disfrutar en su compañía.

También nos sorprendió saber que Peter Jackson elige la voz de cada uno de los personajes de El Señor de los Anillos, y como hemos podido comprobar, tiene muy buen gusto, pues gracias a él hemos podido deleitarnos con muchas de las mejores frases interpretadas del doblaje español.
¿Quién no ha imitado a Pepe Mediavilla y a su "¡NO PUEDES PASAR!"?
Frase favorita, y seguro que la de muchos, gracias a que Pepe la repitió una y otra vez hasta que la dejó exactamente a su gusto "necesitaba un no puedes pasar único".

Foto cedida por AchoVisual:

"En muchas ocasiones de mi vida soy Gandalf" dijo mientras enseñaba el Anillo Único que le regaló a medida su mujer, y éste no es el único regalo que le han hecho, su hija Nuria le dió una réplica del bastón. Y es que se considera un friki, "qué buen ambiente... ¡cuánto friki!", así saludó a todo el público, ¡y así se hizo con nuestro corazón!.

Es un hombre muy entregado a su trabajo y a su familia. Dos de sus tres hijos, Nuria y José Luis Mediavilla, también se dedican al doblaje. Nuria
empezó con Pippi Calzaslargas y en la actualidad dobla a grandes actrices como Angelina Jolie, Nicole Kidman, Kate Winslet o Cameron Diaz.
Su hijo empezó con grandes papeles de los 80 como Elliot (E.T., 1982) y a Gordi (Los Goonies, 1985). En la actualidad trabaja con spots publicitarios, y  dobla a Greg de (C.S.I. Las Vegas, 2001) y a otros muchos, además de haber heredado el don de su padre de quedarse con todos los "negros".

Dentro de sus muchas anécdotas, considera que su papel más difícil ha sido el de Rasputín, concretamente la canción La noche fatal. "La noche fatal se convirtió en la semana fatal", bromea mientras lo recuerda,  ya que en la canción de éste personaje tuvo que berrear como si no hubiera un mañana y se quedó más de una semana mudo.

"La ilusión no se puede perder, cuando no tengo ilusión me quedo vacío, necesito un proyecto, una ilusión"

También comentó que muchas veces no saben ni como se titula la película, tienen que enfrentarse al personaje desconociéndolo casi por completo (lo que tiene mucho mérito). O que normalmente los doblajes no siempre se hacen en orden, y una de las ocasiones en las que si lo hicieron fue en Se7en (David Fincher. 1995), no le querían contar el final y se enteró mientras lo doblaba.

Él interpreta guiándose por los ojos, que dicen mucho de los personajes, eso unido al tono y al ritmo del actor para modular la voz, realizan esas actuaciones únicas que dejan huella.

Afirma que "el doblaje no acabará nunca", y desde luego, si todos lo hacen como él, no nos cabe duda.

En la actualidad ya está jubilado, pero se debe a sus fans, así que sigue y seguirá doblando a Gandalf y a Morgan Freeman, pero no solo eso, también tiene un canal de youtube donde cada viernes sube un poema clásico o de Tolkien. ¡Para que todos sus fans estén satisfechos.

Esta conferencia fue realizada  en la Biblioteca Regional de Murcia el viernes 30 de Mayo gracias a 7 Héroes y a la cafetería Vivaldi.

Tócala otra vez Sam

La música juega un papel fundamental en el cine, complementa la narrativa y la hace más interesante. ¿Cuántas veces hemos viajado a una película solo con oír cuatro notas?.

¿Cuántos tenemos diversas B.S.O. (bandas sonoras) de nuestros films favoritos?. Todos las tarareamos constantemente.

Cuando la música es buena, deja huella, puede marcar la diferencia entre una buena o mala película. No hace falta que sea un musical para darle total importancia a lo sonoro, pues ocupa un papel principal en todas las producciones. Potencia conexiones con lo que no se puede percibir visualmente, y nos acerca a la experiencia del personaje.
Anticipa y finaliza acciones, da ritmo y crea fronteras entre los diversos géneros cinematográficos, incluso puede representar una película.

El ritmo pausado y acogedor de Elysium de Hans Zimmer y Lisa Gerrard nos transporta directamente a Gladiator, un film de Ridley Scott, y a la maravillosa escena de Russell Crowe andando entre el trigo.
El alma y la fuerza contenida de este tema acompañado de unas bellísimas imágenes, crean una atmósfera única, que se hace un sitio en nosotros mismos para acompañarnos por mucho tiempo.

Hans Zimmer no solo ha dado en la clave una vez, muy ligado a Ridley Scott, es el encargado de muchas B.S.O. más, desde 1988, adaptándose a cada género y tono, desde el cine más dramático como 12 años de esclavitud, Hannibal, Rain Man y Thelma & Louise, hasta films de acción y aventura como El caballero oscuro, Sherlock Holmes y Piratas del Caribe. Incluso acompaña a la animación en El Rey León, Madagascar y el debut en la gran pantalla de los Simpson. Se nos cae la baba con pensar en las incontables participaciones que ha tenido a lo largo de la historia del cine, hemos envejecido con él y forma parte activa de la cultura musical.

Otro personaje destacable es Bernard Herrmann, compositor especializado en este género, también muy ligado a otro gran, gran director: Alfred Hitchcock.
Sus melodías han llenado la pantalla desde 1941 con Ciudadano Kane (Dirigida por Orson Welles), este fue solo el comienzo de una gran carrera, alguno de sus trabajos más reseñables son Vértigo, los Pájaros y Taxi Driver, pero quizás la más reconocible y la que más nos impactó en nuestra época fue la visceral Psicosis, que al igual que nosotras, se conserva muy bien y no pasa de moda.
Incluso póstumamente, se han escogido sus temas para cintas como Kill Bill. Y hay que reconocer que Tarantino tiene un gran oído musical, las B.S.O. de Quentin prácticamente se han convertido en un género por sí mismas. ¿Cuántas veces no hemos bailado recreando a Uma Thurman y John Travolta en Pulp Fiction? Ese baile divertido y descompasado, con aires de serie B, sentimiento que se repite en muchas de sus producciones. ¿Cómo olvidar al Sr. Rubio bailando a la vez que tortura en Reservoir Dogs al ritmo de Stuck in the middle with you?.

Y es que no es casualidad que la música tenga un lugar privilegiado en los Óscar, con hasta cuatro categorías reservadas para ella, resulta imposible desligar música y cine, así que… Sam ¿te atreves a tocarlas todas?

Artículo para el magazine digital MurciaLOVE.

La fiesta del cine

¡Nos vamos de fiesta!

Mañana vuelve la fiesta del cine, una propuesta que impactó en España en
Octubre del 2013. Tres días de locura en las salas en los que los pases estaban a 2’90€. Nadie pudo resistirse a esta oferta teniendo en cuenta que las entradas llegan a pasar los 8€ en días no laborables.

Después del éxito cosechado, este año se van a hacer dos jornadas, pero ya no es algo novedoso, ¿realmente la gente va a llenar las salas de nuevo?, ¿se van a volver a ver las inmensas colas de hace unos meses?.

Nosotras creemos que sí, que el problema del cine no es la calidad, o al menos no siempre, que el gran problema del cine es el elevado precio de las entradas. Por lo que os queremos destacar cuatro de las propuestas más interesantes que podrás encontrar esos tres días, y demostraros que el cine no está en decadencia.

Guillaume y los chicos, ¡a la mesa! es la primera de nuestras propuestas, una comedia procedente de Francia, de la mano de un director novel con mucho que contar.

Fue la triunfadora de los premios César, obteniendo entre otros, el glorioso premio a mejor película. Su obra de aires autobiográficos trata la estrecha relación con su madre, nos depara momentos de gran potencia emocional, entrañables y embarazosos. Hace dos años, otra gran comedia francesa pisó fuerte fuera de sus fronteras dejándonos boquiabiertas, la gran Intocable. Esperemos que se repita el éxito en taquilla para el cine europeo. Llegó el 28 de Marzo a nuestras salas.

La segunda es uno de los films más esperados del año: Capitán América: El soldado de invierno también en cines desde el 28 de Marzo. Después de los Vengadores (2012), Iron man 3 (2013) y Thor: el mundo oscuro (2013), el primer vengador llega más fuerte que nunca. Los fans de Marvel esperamos que nos traiga acción y risas, ya que la primera entrega del Capi fue demasiado seria para el gusto de muchos, pero igualmente fue una gran película. Crítica completa Capitán América: El soldado de invierno

Para los que buscamos algo más introspectivo nos podemos decantar por Enemy. Un thriller que tiene todas las cartas para que nos comamos la cabeza, intentando resolver sus intrigas y misticismos, tanto físicos como psicológicos. Su director, Denis Villeneuve, nos sorprendió el pasado año con Prisioneros y ahora seguirá intentándolo, de nuevo con Jake Gyllenhaal e introduciendo a la delicada Mélanie Laurent.

Y, por último, El gran hotel Budapest, que se estrenó el 21 de Marzo y que ya hemos podido ver.

Vuelve Wes Anderson después de dos años con su simétrica y sorprendente poesía. Conserva su estilo pero con nuevas y estimulantes ideas para un hotel único.

Continúa con su comedia picante y sin pedir explicaciones, haciendo lo que se le antoja de forma magistral y contando como siempre, con un reparto estelar.

Una fuerte apuesta para estos tres días, que seguro no decepcionará a nadie. Crítica completa El gran hotel Budapest

Todos estos son grandes motivos para asistir a la fiesta del cine, no vemos por qué decir que el cine está perdiendo calidad. Os esperamos el 31 de Marzo, y el 1 y 2 de Abril en la fiesta más cinéfila del año. ¿Te lo vas a perder?